Рецензии. Три альбома с востока Европы: Денис Пашкевич, Гоце Стевковски, Олег Писаренко

Кирилл Мошков,
главный редактор «Джаз.Ру»
CM

Deniss Pashkevich, Christian Frank — «Close»

Gateway Music, 2014

Deniss Pashkevich — ts, ss, bcl, fl; Christian Frank — g

****

Дуэт, самый сложный ансамблевый формат в джазе. Саксофонист Денис Пашкевич из Латвии и гитарист Кристиан Франк из Дании не пытаются вдвоём сыграть за целый ансамбль и наполнить всё звуковое пространство множеством звуков. Напротив, звуков тут, как правило, немного. Но это и не популярные среди европейских импровизаторов последних лет «саундскейпы» (электронные звуковые ландшафты). Электроники тут попросту нет: только саксофон — иногда со скромным применением неконвенционных средств звукоизвлечения, типа игры без мундштука — и электрогитара вообще безо всякой слышимой электронной обработки: просто чистый звук. Никто из участников не пытается блеснуть техникой, поразить виртуозностью. Вместо этого они сдержанно, с затаённой северной тоской излагают несложный, зачастую основанный на квази-фольклорных интонациях тематический материал — и столь же сдержанно импровизируют. Впрочем, множественное число тут вряд ли применимо: импровизирует главным образом Пашкевич, а Франк в те недолгие моменты, что его гитара звучит в одиночестве, в основном задумчиво и основательно перебирает отдельные ноты аккордов. Да-да, это действительно немного напоминает ранний ECM, пресловутые «звуки ледяных фьордов» — вот только этих самых звуков тут нет, потому что нет знакомой «исиэмовской» сверх-обильной цифровой реверберации: саксофон и гитара звучат в весьма скромном виртуальном пространстве, напоминающем небольшую комнату. Суперкамерная природа звучания удачно увязана со столь же камерной манерой игры, альбом звучит медитативно, временами даже молитвенно (что не удивительно: Пашкевич — активно практикующий христианин-протестант), и практическое отсутствие в нём динамического или темпового разнообразия можно назвать не слабой, а сильной стороной этой записи: она вся представляет собой единое, вполне художественно цельное высказывание. Если бы не определённые проблемы то ли со строем сопрано-саксофона, то ли с интонированием на нём в девятом треке, было бы вообще отлично (там, где Пашкевич играет на теноре или на бас-кларнете, этих проблем не возникает).

Купить альбом на Bandcamp (доступно предпрослушивание треков)

Исполнение материала альбома живьём на его презентации в Спикери, Латвия, 12.09.2014

 ДАЛЕЕ: рецензии на альбомы Goce Stevkovski Septet и Oleg Pissarenko Band 
Читать далее «Рецензии. Три альбома с востока Европы: Денис Пашкевич, Гоце Стевковски, Олег Писаренко»

Рецензии. Группа Игоря Володина «Негромкий свет»


review

Группа Игоря Володина — «Негромкий свет»
Bomba-Piter, 2011

* * * 1/2

CD COVERАлексей Круглов (ss, as, cl, bh, rec), Максим Некрасов (hca), Игорь Володин (p), Николай Клишин (db), Олег Юданов (dr, perc), Тим Дорофеев (g)

Тихвинский пианист Игорь Володин на большой джазовой сцене России известен, пожалуй, не особенно. Некоторые из его партнёров обладают именами куда более громкими, причём порой в тех музыкальных областях, которые не сильно гармонируют с выбранным самим Володиным направлением. В этом есть определённый парадокс: в лежащий далеко от популярных гастрольных путей Тихвин едут выступать с мало кому известным лидером авангардисты и представители нового джаза, люди разных поколений, жители Москвы, Петербурга и Архангельска… в чём тут секрет?

Пожалуй, в том, что Володин сохраняет в своём творчестве ту несколько застенчивую и угловатую искренность и «обычную» красоту, которой современной музыке всё больше не хватает и которой, что бы они там ни говорили, любые авангардисты хотят куда больше, чем авангарда. В каком-то смысле и пианизм Игоря, и его композиторская работа описывается знаменитым «будьте как дети» — с тем комментарием, что детскость эту надо воспринимать в джазовом контексте. В век, когда любой молодой музыкант обязан уметь стилизовать свою манеру под любого из великих джазменов прошлого, Володин смотрит на джаз именно как ребёнок, видящий в нём целое, а не частности; ему интересно стремиться именно к этому целому, достигать такой же всеобъемлющей совокупной массы, такого же разнообразия красок и свободы выбора. Там, где молодой музыкант (да и взрослый музыкант, уже поднаторевший в вопросах выживания на современной профессиональной сцене) выбирает для себя определённое направление и целенаправленно разрабатывает его, полируя и выставляя напоказ свои собственные находки, Володин не мудрствует лукаво. Вот условный ля-минор, который хорошо стыкуется с условным ре-минором — так чего же, собственно, ещё искать, если есть мелодия, хорошо ложащаяся на этот проверенный простой гармонический ход?

Игорь Володин
Игорь Володин

Простота в музыке бывает разная: бывает от неумения, бывает от многого знания, а бывает от глубокой естественности конкретного авторского видения. По «Негромкому свету» на самом деле очень трудно судить, специально ли Игорь упрощает материал и сможет ли он при необходимости взорваться быстрым виртуозным пассажем. Не исключено, что и не сможет. Но в том и прелесть, что здесь это совершенно не нужно. Пусть каждая пьеса неуловимо напоминает что-то уже слышанное (возьмите «Байкал» — тут уже после одного фортепианного вступления можно сломать голову, пытаясь воскресить в памяти какой-то навязчиво маячащий аналог)! Это не страшно — просто потому, что собравшийся ансамбль в кои-то веки и не претендует ни на новаторство как таковое, ни на новое прочтение старого материала. Здесь все бережно, с большой любовью и уважением создают негромкую (хорошее слово) красивую музыку, временами даже уходящую от джазового канона (присутствие в составе Алексея Круглова с его репутацией авангардиста даёт о себе знать). Получающийся результат во многом симпатичнее, чем куда более отточенные и технически совершенные альбомы больших мастеров; почему? Да уже потому, что в «Негромком свете» нет ни капли музыкальной коммерции, даже, казалось бы, естественной и необходимой для музыканта. Есть чистое тихое удовольствие от создания своей собственной красоты; и есть понимание того, что красота у каждого своя и то, что красиво в Тихвине, не обязательно будет красиво, например, в Париже. Странный и впечатляющий результат: неброская северная экзотика без пронзительной скандинавщины и резко выделяющегося фольклора, спокойный качественный джаз без свинга, естественный привкус авангарда без натужности. Негромкий свет, действительно.


bmb

oz

itu

it

Рецензии: Паоло Фрезу/A Filetta, Йордан Костов, Христо Витчев, Доктор Джон, Уильям Паркер

Юрий Льноградский IL

«Джаз.Ру» представляет рецензии на альбомы иностранных джазовых музыкантов, вышедшие в 2010-2012-м гг. Редакция готова принимать как пресс-релизы о выходе новых альбомов, так и сами альбомы на рецензию от любых российских и зарубежных издателей.
Связаться с редакцией

Paolo Fresu, A Filetta Corsican Voices, Daniele di Bonaventura — Mistico MediterraneoPaolo Fresu, A Filetta Corsican Voices, Daniele di Bonaventura — «Mistico Mediterraneo»

ECM, 2011

*****

Paolo Fresu (tp), Daniele di Bonaventura (bandoneon), A Filetta: Jean-Claude Acquaviva (baritone),  Jean-Luc Geronimi (baritone), Paul Giansily (tenor), Francois Acquaviva (bass), Joseph Filippi (bass), Jean Sicurani (bass), Maxime Vuillamier (bass)

Тот, кто обратит внимание на этот альбом благодаря широко известному имени итальянского трубача Паоло Фрезу, заранее нарисует себе неправильную картину. Фрезу, которого сегодня активно называют одним из ведущих джазменов Италии (и который в частных разговорах откровенно признаётся, что не очень понимает назначения прессой именно его на ведущую роль в национальной импровизационной музыке), сделал в эту работу, безусловно, огромный вклад. Но вряд ли этот вклад было бы куда делать, если бы не вокальный ансамбль A Filetta (именно так, без поясняющей маркетинговой добавки «Corsican Voices», называют себя сами музыканты). Именно этот вокальный септет, возглавляемый уже более тридцати (!) лет Жаном-Клодом Аквавива, и определяет всю глубину и целостность программы, для которой Фрезу и другой замечательный импровизатор, бандонеонист Даниэль ди Бонавентура, при всём уважении – приправа, сколь угодно великолепная и оригинальная, но всё-таки не определяющая. A Filetta работает в жанре полифонического пения a cappella, прославившего Корсику в музыкальном мире; но, в отличие от многих профессиональных и любительских ансамблей этого острова, дружина Жана-Клода очень далека от «хранения традиций» и тем более чисто реставрационной концепции. Используя богатейшее наследие корсиканской школы, вокалисты A Filetta работают с современной музыкой – включая сюда как репертуар и сотрудничество с инструменталистами из разных областей, так и использование современных технологий записи, позволяющее исполнить и услышать эту музыку по-новому. «Mistico Mediterraneo» — отличное название для альбома, в том числе и потому, что оно не требует перевода. A Filletta словно неторопливо ведут слушателя по древнему замку, обстановка которого располагает к восприятию происходящего под определённым углом, но обращают при этом внимание на то, что в одних его комнатах действительно собраны старые рыцарские доспехи, а в других дизайнеры работают на «макинтошах» или сооружена радикальная современная инсталляция. Достаточно взять для примера пьесу «Gloria», где вслед за вполне «уличным» вступлением бандонеона басы ансамбля неожиданно начинают приглушённый риффовый речитатив, характерный чуть ли не для современного мистического металла, чуть позже поверх этого риффа ненадолго появляется и вовсе осязаемый перкуссионный рисунок, а ещё через несколько секунд кто-то из инструменталистов вступает с острой мелодической линией, пропущенной через электронику настолько крепко, что и не разобрать на слух – труба это Фрезу или бандонеон Бонавентуры…

A Filetta по-настоящему прекрасны. Среди прочего и тем, что они действительно уверенно выходят за пределы одного стиля, и выходят не ради того, чтобы выйти, а потому, что им там комфортно. Можно вспомнить, например, знаменитую работу The Hilliard Ensemble и Яна Гарбарека, «Officium»: точно так же спирая дыхание своей заоблачной красотой и прозрачностью, она тем не менее не рисковала выйти за пределы чётко определённых стилевых рамок. A Filetta, Фрезу и Бонавентура этих рамок попросту не имеют – и добиваются не меньшего, если не большего эффекта: трудно сказать, является ли достоинством или недостатком серьёзной музыки то, что она может слушаться и восприниматься в более разнообразном окружении, чем другая серьёзная музыка.

A Filletta разнообразны именно так, как должен быть разнообразен ансамбль, вольно или невольно вербующий себе поклонников из числа неофитов: специалисты наверняка увидят здесь влияние очень многих вокальных школ (классической европейской, грузинской, арабской, североафриканской), а простой слушатель поразится просто тому, как по-разному интересно могут звучать семь мужских голосов. Чего стоят одни «всплески» уже в открывающей альбом «Rex Tremendae», когда после вполне амбиентных и самопогружённых медитаций со звуком вокальный ансамбль неожиданно рявкает в полный голос, пусть и на непонятном языке, но абсолютно отчётливо выражая одновременно ярость и боль, которая зачем-то, но обязательно нужна в этой пьесе!

Отличный альбом, на сто процентов удачно вписывающийся сразу в несколько музыкальных территорий, и несомненно одна из истинных жемчужин в каталоге ECM.

ДАЛЕЕ: ещё четыре новых альбома!

Читать далее «Рецензии: Паоло Фрезу/A Filetta, Йордан Костов, Христо Витчев, Доктор Джон, Уильям Паркер»

Рецензии: Трилок Гурту, Том Уэйтс, Габриэль Виченс, Терес Монкальм, Алекс Максымив

Юрий Льноградский IL

«Джаз.Ру» представляет рецензии на альбомы иностранных джазовых музыкантов, вышедшие в 2011-м и 2012-м гг. Редакция готова принимать как пресс-релизы о выходе новых альбомов, так и сами альбомы на рецензию от любых российских и зарубежных издателей.
Связаться с редакцией

Trilok Gurtu, Simon Phillips, NDR Big Band — 21 SpicesTrilok Gurtu with Simon Phillips + NDR Big Band — «21 Spices»

Art Of Groove, 2011

*****

Trilok Gurtu (perс, vo), Simon Phillips (dr), Michel Alibo (b), Roland Cabezas (g), NDR Big Band: Jörg Achim Keller (cond), Marcio Doctor (perc), Vladyslav Sendecki (k), Thorsten Benkenstein (tp), Ingolf Burkhardt (tp), Stephan Meinberg (tp), Phillip Kacza (tp), Dan Gottshall (tb), Klaus Heidenreich (tb), Stefan Lottermann (tb), Ingo Lahme (btb), Fiete Felsch (as), Peter Bolte (as), Matthias Erlewein (ts), Bjorn Berger (ts), Lutz Buchner (ts), Frank Delle (bs, bcl)

Неистовый бомбеец Трилок Гурту, в семидесятых сменивший Индию на Европу и мгновенно ставший заметной фигурой в мире прогрессивного джаза и world music, славен многими достижениями. Далеко не последнее из них – разработанная им ударная установка, вобравшая в себя примерно равный набор восточных перкуссионных инструментов и современных европейско-американских ударных, на которой он играл без использования бас-барабана, по индийской традиции сидя во время исполнения на полу. Когда речь заходит о Гурту, она упоминается почти в обязательном порядке, но не ради придания рассказу чистого колорита.  Дело в том, что столь нестандартный набор предметов, из которых извлекается звук, с неизбежностью сделал совершенно уникальной и узнаваемой и саму манеру Гурту. В его арсенале нашлось место даже ведру с водой, с помощью которого на живых выступлениях перкуссионист легко синтезировал звуки, производящие полное впечатление компьютерных.

На альбоме «21 Spices», получившем название по числу задействованных музыкантов, Гурту поделился местом на перкуссионном троне с британским барабанщиком Саймоном Филлипсом, человеком примерно того же уровне авторитета, только пришедшим из мира рок-музыки (среди проектов с его участием – The Who, Питер Гэбриел, Гэри Мур). Тем самым ориентированный на ритм характер работы определился, что называется, по умолчанию – вернее, не ориентированный, а гипертрофированно ориентированный (на своих сольных работах Гурту никогда не впадал в ложную скромность, пусть и не переходя границ музыкального приличия). Компанию двум грандам барабанного искусства составили гитарист гитарист Роланд Кабесас и басист Мишель Алибо. Не сказать, чтобы это были имена, по известности достойные лидеров – но послушайте, к примеру, насыщенный, виртуозный и тем не менее не чрезмерный слэповый пульс Алибо в «Kuruk Setra» или исполненное высочайшего вкуса и построенное на утончённых нюансах введение Кабезаса в «Piece Of Five» — и все вопросы о классе отпадут сами собой. Впрочем, и послужной список у них более чем достаточный: Кабесас играл и записывался с Маркусом Миллером, Тони Брэкстон и Яном Гарбареком (отличное взаимоперпендикулярное трио для примера!), Алибо – с Бояном Зульфикарпашичем, группой Sixun, Анжелик Киджо.

Ну, а главную прелесть альбому придаёт, безусловно, полновесный немецкий биг-бэнд, возглавляемый Йоргом Ахимом Келлером. Дело даже не в определённом безумии, с которым на альбом собраны представители самых неожиданных национальностей (этим сейчас мало кого удивишь), и не в самом факте сотрудничества оркестра с ярким солистом, который никогда особенно подобным сотрудничеством не увлекался (Гурту, впрочем, был замечен в подобных коллаборациях даже на территории России, когда выступал совместно с московским SymFusion Orchestra). Нет. Всё дело в блестящих аранжировках Вольфа Кершека, который (хочется верить, что осознанно) словно придавил искромётную музыку Гурту массивным, тяжеловесным и основательным германским полувзводом духовиков. Там, где внутренняя пружина типичной для Трилока композиции могла бы дать ему взвиться в экстатические небеса, не будучи сдерживаемым никаким воображением и метром, оркестр Келлера играет чуть позади ритма, держит обоих барабанщиков за шиворот и не даёт им покинуть землю. Это невыразимо прекрасное ощущение – когда мастер, которому ничего не стоит уйти от простого смертного в какие-то идеальные миры, вынужден, по-прежнему явно получая удовольствие от музыки, оставаться внутри нарисованной ему рамки и смотреть слушателю в лицо. И пока Филлипс с присущим хорошему рокеру драйвом и хлёсткостью держит эти самые рамки, а оркестр полирует частоты, Гурту строит свою вселенную прямо у нас на глазах. Какие, чёрт возьми, нюансы! Какая красота мелочей в игре на табла, которые вынуждены адаптироваться к европеизированной аранжировке! Как великолепно ложатся на эту неистовую, яростную, но вынужденную мириться с оркестровыми шенкелями вязь строгие и в то же время разнообразные партии духовых! В «Kuruk Setra» секции труб, тромбонов и саксофонов пропевают одну и ту же фразу с перехлёстом, чуть налезая на предыдущую секцию и чуть попадая под следующую – отличный метод «борьбы» с неизбежными для Гурту неровными размерами.  В «Juhelal» саксофонам отводится ответственная роль имитации «конакол»  – знаменитой по записям Трилока речитации индийских ритмических формул, которая для европейского уха звучит как быстрое речитативное пение – пока трубы и тромбоны играют свои протяжные «пачки». В «Beaucoup» постепенно набирающий силу голос Гурту звучит сначала на фоне собственно ритм-секции, а потом по всем законам жанра под него подкладывается всё больше и больше духовых и медных, в конце дающих такой милитаристической мощи, что стены дрожат. Блестяще, герр Кершек – просто блестяще.

Ну, а материал? Всё тот же старый добрый материал Трилока Гурту с обязательными выломами ритма, многочастной формой, прихотливыми (и, несмотря на это, прекрасно запоминающимися) мелодиями. Тот самый, за который мы его и любим. И за который мы будем его любить ещё больше после знакомства с «21 Spices». Эта работа – если и не Джомолунгма в творчестве Гурту, то только потому, что рядом со Джомолунгмой ещё много вершин, отличающихся от неё лишь на сотню-другую метров в высоту, но не менее прекрасных, а порой и более сложных для покорения.

ДАЛЕЕ: ещё четыре новых альбома!

Читать далее «Рецензии: Трилок Гурту, Том Уэйтс, Габриэль Виченс, Терес Монкальм, Алекс Максымив»

Рецензии: Plaistow, Курт Эллинг, Ралф Боуэн, Элиане Элиас

Юрий Льноградский IL

«Джаз.Ру» представляет рецензии на альбомы иностранных джазовых музыкантов, вышедшие в 2011-м и 2012-м гг. Редакция готова принимать как пресс-релизы о выходе новых альбомов, так и сами альбомы на рецензию от любых российских и зарубежных издателей.
Связаться с редакцией

Plaistow — LacrimosaPlaistow — «Lacrimosa»

Insubordinations, 2012

*****

Johann Bourquenez (p), Raphael Ortis (b), Cyril Bondi (dr)

С новой работой швейцарцы из Plaistow убедительнейше подтверждают, что по-прежнему находятся на острие современной европейской музыки: не потеряв ни одной из характерных черт своей стилистики, они на сей раз находят для неё ещё более удачную форму. Plaistow уже очень недурно поездили по России и многим россиянам знакомы вживую, а некоторым – знакомы вплоть до степени, которая позволяет наблюдать и оценивать развитие этого великолепного трио в реальном времени; поэтому специалисты по коллективу, ещё в 2008 году названному «лучшей джаз-группой Швейцарии» и получившему ZKB Preis, в первую очередь оценят на «Lacrimiosa» окончательный уход к сюитной форме построения альбома. Если раньше у коллектива существовали отдельные пьесы вполне традиционной длительности, которых на альбом вмещалось около десятка, то в 2011-м году музыканты начали экспериментировать на концертах с исполнением этих пьес без перерыва: слушатель, готовый к аплодисментам, снова и снова был вынужден смирять чувства и слушать дальше. Этот ход себя однозначно оправдал: лишённый «перебивок» и неизбежного расслабления аудитории, материал Plaistow обрёл истинную академическую глубину, перед которой пасовали даже чопорные завсегдатаи российских филармоний. Записывая новый альбом, Plaistow развили этот приём до логического завершения: на диске всего две пьесы, титульная «Lacrimosa» и «Cube», длящиеся приблизительно по двадцать минут и вгоняющие в настоящий транс. В обоих, безусловно, легко читается большой пиетет музыкантов к музыке Стива Райха – пианист Йохан Буркенез так и вовсе тратит не меньше половины своих партий на исполнение ровных, словно по метроному, и совершенно механистичных арпеджио; но, пожалуй, это тот случай, когда нет ни малейшего повода говорить о заимствовании – налицо именно пиетет и полное желание и способность идти собственным путём. Высказаться на этой записи в чистых импровизациях успеют все, хотя по первому впечатлению – именно в механистичном нагнетании напряжённости и заключается основной метод игры всех троих. Буркенез, который в экстремально прямолинейном варианте вообще работает буквально с двумя аккордами, сменяющими друг друга несколько раз в секунду, со временем начинает добавлять в них всё новые и новые ноты. Постепенно его партия начинает включать уже сложные волнообразные переборы, да ещё и оттеняемые нерегулярными басовыми рисунками, и получающийся эффект при всей своей, казалось бы, неимпровизационности настолько силён, что профессиональные психоаналитики на полном серьёзе говорят о творческом методе Plaistow как о способе ввода аудитории в изменённое состояние сознания. В «Lacrimosa» Буркенез предстаёт во всей красе, разгоняя многослойную энергетику группы до поистине космических высот; его партнёры конкретно в этой пьесе, пожалуй, менее заметны, разве что барабанщик Сирил Бонди обращает на себя внимание опять же прямолинейной, ровной, с предсказуемо чёткими ударами по малому барабану игрой, выведенной звукорежиссёрски в очень привлекательную плоскость. Вот во второй пьесе, «Cube», проявят себя как раз барабанщик с басистом: пока Буркенез демонстирует свои фирменные звуковые эффекты (придерживая рукой струны рояля, он добивается от акустического инструмента совершенно электронных по сути своей фокусов), Бонди, теперь уже в другой, более острой звукорежиссуре, выстраивает долгое заходящее соло, наполненное «мелочами» и активными проходами по всему арсеналу и почти лишённое работы по тарелкам, что придаёт ему неповторимый шарм. А в середине пьесы получит своё собственное пространство и Рафаэль Ортис: единственный из членов группы, играющий на электрифицированном инструменте, он традиционно показывает не техническое мастерство, а разнообразие обработки, выстраивая поистине прог-роковые синтезаторные полотна вокруг очерченной партнёрами рамки. Словом, Plaistow, если и не прыгнули выше головы, то только потому, что им это совершенно не нужно: от простого прогресса этой группы «по штатному расписанию» уже непроизвольно наворачивается слеза или  отпадает челюсть – каждому, как говорится, своё. И самое главное: пластинку Plaistow вы в России купите вряд ли, но на официальном сайте «Lacrimosa» предложена к скачиванию совершенно бесплатно. Редчайший шанс отведать великолепной современной импровизационной музыки мирового уровня, не отрываясь от стула и не нарушая законов об авторских правах..

ДАЛЕЕ: ещё три новых альбома!

Читать далее «Рецензии: Plaistow, Курт Эллинг, Ралф Боуэн, Элиане Элиас»

Рецензии: некоторые релизы 2010 года

Юрий Льноградский IL

«Джаз.Ру» представляет по тем или иным причинам не опубликованные в 2011-м году рецензии на альбомы иностранных джазовых музыкантов, вышедшие в 2010-м. Редакция готова принимать как пресс-релизы о выходе новых альбомов, так и сами альбомы на рецензию от любых российских и зарубежных издателей.
Связаться с редакцией

Orioxy — «Tales»

Unit Records, 2010

***

Yael Miller (vo), Julie Campiche (harp), Manu Hagmann (db), Nelson Schaer (dr)

Этот весьма необычный по инструментальному составу квартет возглавляет израильтянка Яэль Миллер, в процессе поиска своей музыки добравшаяся до Женевы через Нью-Йорк и Париж. Вокалистка и композитор, Яэль довольно характерно для сегодняшнего дня смешивает в своём творчестве практически всё, что слышит: от джаза до авангарда, от минималистичного поп-рока до неоклассики. Словом, на выходе вполне уверенно прогнозируется то, чего сейчас полным-полно в любом российском городе-миллионнике: камерный состав с недиагностируемой стилистикой, сопровождающий самобытную (или как минимум претендующую на это) девушку с нестандартными взглядами. Некоторые удачно называют этот стиль «театро», улавливая в такого рода музыке ориентированность именно на живое выступление, в котором определённая малоосмысленность музыки компенсируется сценическим поведением, жестами, нарядами и томным взглядом. Миллер, однако, удалось вовремя остановиться, и Orioxy не стоит считать одним из потенциальных завсегдатаев концептуальных московских клубов со своей верной аудиторией из шестнадцати человек. Во-первых, тут действительно интересен сам состав: скрестить недалеко, на самом-то деле, ушедшие от современного джаза контрабас и барабаны с арфой и этим трио состав и ограничить – решение, заслуживающее как минимум внимательного ознакомления. Во-вторых, вокал самой Яэль: то, как она начинает открывающую альбом «Lost Feet», до приятной дрожи напоминает незабвенную Скай Эдвардс времён расцвета Morcheeba, пусть впоследствии Миллер и уходит в более высокий регистр и теряет часть очарования за счёт подтверждения оригинальности. Ну и в-третьих, наконец, сам материал: как ни странно, именно арфа как солирующий инструмент оказывается на удивление интересной и способной зафиксировать внимание слушателя не только на вокалистке, но и на ансамбле. Прекрасно сделан, например, инструментальный «мостик» в пьесе «Saba Bobi», где Жюли Кампиш очень и очень неторопливо, с большими паузами, некрупными аккордовыми всплесками в течение пары минут развивает на фоне чисто джазовой по игре ритм-секции какую-то свою почти кинематографическую мысль. Парадокс этого альбома, пожалуй, именно в том, что он непривычно (чтобы не сказать «неприлично») хорош для музыкальной территории, которая уже давно и крепко дискредитирована не самыми талантливыми исполнителями. У них прихотливость мелодии вызвана тем, что они попросту не могут создать её нормально; у Яэль Миллер эта прихотливость естественна и уместна. Так что бороться за место под солнцем Orioxy даже со столь удачным дебютным альбомом придётся в полном соответствии с печально известной поговоркой «талантам надо помогать, бездарности пробьются сами».

ДАЛЕЕ: ещё пять новых альбомов!

Читать далее «Рецензии: некоторые релизы 2010 года»

Фильм «Валентин Парнах: не здесь и не теперь». Эссе о Страннике

Документальный фильм «Валентин Парнах: не здесь и не теперь» (2011)
Производство, автор фильма : режиссёр Михаил Басов
Музыка: Роман Столяр

Подробности о фильме, видеотрейлер

Рецензия: Александр Фёдоров, КИНО-ТЕАТР.ru 

Валентин ПарнахНасколько мне известно, это первый фильм о жизни и творчестве Валентина Парнаха (27.07.1891, Таганрог — 29.01.1951, Москва) — об уникальной личности: поэте, переводчике, музыканте, танцоре и хореографе, родоначальнике российского джаза.

Автору документального фильма «Валентин Парнах: не здесь и не теперь» Михаилу Басову, благодаря превосходной музыке Романа Столяра, удалось создать оригинальное произведение. Это не традиционный «байопик» со скучноватым перечислением фактов, хотя и они сами по себе интересны — родившийся в Таганроге Валентин Парнах странствовал по свету в поисках неуловимого идеала, а в круг его знакомых и друзей входили Пабло Пикассо, Франсис Пикабиа, Всеволод Мейерхольд, Илья Эренбург, Леонид Утёсов, Григорий Козинцев и др.; он прекрасно писал по-французски и входил в круг парижских поэтов-авангардистов 1910-х годов. Перед нами своего рода попытка рассказать о Валентине Парнахе в элегическом стиле, синтезирующем поэзию и джаз, основанная на глубоком проникновении в суть творчества Мастера.

На этом пути были сделаны своего рода открытия — например, неизвестное прежде даже киноведам участие Валентина Парнаха в фильме Григория Александрова «Весёлые ребята». Парнах сыграл в «Весёлых ребятах» эпизодическую роль джазового музыканта, и скриншоты, выделенные Михаилом Басовым, позволяют нам чётко рассмотреть эти уникальные кадры.
ДАЛЕЕ: продолжение рецензии Читать далее «Фильм «Валентин Парнах: не здесь и не теперь». Эссе о Страннике»

Рецензии: Кориа-Кларк-Уайт

review


coverCorea, Clarke & White — «Forever»
Concord/Universal, 2011

Return To Forever — как много звуков в этом имени слилось… Согласно аннотации, Чик Кориа и его коллеги — Стэнли Кларк и Ленни Уайт — давно мечтали вернуться к своим джазовым истокам, приняв форму акустического трио. Чик Кориа надолго засел за рояль, Ленни Уайт ограничивается шебуршанием по тарелочкам, а Стэнли Кларк взялся за контрабас. Поэтому, несмотря на заветную троицу из классического состава «Возвращения в вечность» и слова forever в заголовке, альбом заинтересует прежде всего любителей джаза, а не джаз-рока.

Первый диск представляет собой сборник из концертных выступлений, проходивших, в основном, в оклендском клубе Yoshi’s, а состоит большей частью из умиротворяющих джазовых стандартов в формате классического трио 50-60-х гг. Спокойные и романтичные пассажи Чик Кориа главенствуют почти в каждой композиции, тогда как контрабас Кларка, исключительно по причине своей тихости, немного уведён на задний план. Впрочем, мастерства Кларка как импровизатора это нисколько не умаляет, тем более, что одной из лучших на первом диске стала именно его композиция в своеобразном дуэте с Жан-Люком Понти: «La Cancion De Sofia». Обновленная версия «No Mystery» подсаживает на крючок разомлевшего слушателя знакомыми фьюжн-интонациями и подготавливает к материалу второго диска.
ДАЛЕЕ: продолжение рецензии Читать далее «Рецензии: Кориа-Кларк-Уайт»

Рецензии: март 2011, часть 3

Юрий Льноградский IL

«Джаз.Ру» представляет небольшие рецензии («микровпечатления») на альбомы иностранных джазовых музыкантов, вышедшие в последние месяцы. Редакция готова принимать как пресс-релизы о выходе новых альбомов, так и сами альбомы на рецензию от любых российских и зарубежных издателей.
Связаться с редакцией


Mark Egan— «Truth Be Told»

Wavetone, 2010


Басиста Марка Игана вряд ли можно причислить к высшему джазовому эшелону, но и статистом на современной сцене его не назовёшь. Это маленькая, но имеющая собственное имя звёздочка, которая то выпускает интересные, но не особенно взлетающие в чартах альбомы, то идёт под крыло к более удачливому лидеру и достигает там настоящих высот (как, например, в группе Пэта Мэтини в конце 1970-х). На «Truth To Be Told», где Игану помогают товарищи калибром, наверное, всё же повыше его самого (барабанщик Винни Колайюта, саксофонист Билл Эванс и т.п.), ему удаётся взять весьма недурную высоту, упаковав узнаваемую манеру этих известных музыкантов в рамки, определяемые им самостоятельно — и потому позволяющие увидеть их с несколько новой стороны. Например, характерно резкий звук саксофона Эванса не отбирает здесь на себя основное внимание, будучи уведён в общей звуковой картинке с переднего плана в глубину; Колайюта, славный своими «мелочами» на высоких частотах, неожиданно кажется более ровным на фоне самого басиста Игана, не стесняющегося играть басовую партию, скажем так, обильно. Материал же — нечто среднее между прифанкованным джаз-роком и современным фьюжн, с красивой гармонической подложкой и весьма изящного аранжировочного рисунка. Хороший альбом, чего там.

ДАЛЕЕ: ещё пять новых альбомов!

Читать далее «Рецензии: март 2011, часть 3»

Рецензии: март 2011, часть 2

Юрий Льноградский IL

«Джаз.Ру» представляет небольшие рецензии («микровпечатления») на альбомы иностранных джазовых музыкантов, вышедшие в последние месяцы. Редакция готова принимать как пресс-релизы о выходе новых альбомов, так и сами альбомы на рецензию от любых российских и зарубежных издателей.
Связаться с редакцией

Joe De Rose & Amici — «Sounds For The Soul»

First Orbit Sounds, 2010

Группа, возглавляемая барабанщиком, играющая нечто опасно близкое к smooth-джазу и исполняющая почти исключительно его авторский материал — чего тут следует опасаться в первую очередь? Безликости. В случае с Джо де Роузом, к счастью, опасения не оправдываются. Гитарист Христо Витчев и пианист Вебер Иаго, которые помогают ему с композицией и аранжировками, уводят музыку из той самой опасной близости к smooth в более ёмкое contemporary, соло Витчева и саксофониста Дэнна Зинна убедительны и осмысленны, сам де Роуз показывает в девяти треках альбома достаточно разнообразную динамику — и, как результат, в первые строки персонального рейтинга эта запись у слушателя встанет вряд ли, но его маленькой аудиофильского счастья не испортит точно и скрасит не один вечер, когда ситуация будет требовать чего-то в меру лёгкого, в меру умного, в меру мэйнстримового и в меру популярного.

ДАЛЕЕ: ещё пять новых альбомов!

Читать далее «Рецензии: март 2011, часть 2»