Российский тур Мауши Аднет и Brazil Bossa-Nova Quartet

Читаем РЕПОРТАЖ с московского концерта тура (25.05.2010)!

Посольство Бразилии в Москве представляет 

BRAZIL BOSSA-NOVA QUARTET 
посвящение Антонио Жобиму

Brazil Bossa-Nova Quartet
Brazil Bossa-Nova Quartet

 Мауша Аднет (Maucha Adnet) — вокал
Хелио Альвес (Helio Alves) — фортепиано
Дудука да Фонсека (Duduka da Fonseca) — перкуссия
Арк Овруцкий (Ark Ovrutski) — контрабас, электробас

 25 мая — Московский международный Дом музыки (Театральный зал), тел. 730-1011  
ЗАКАЗ БИЛЕТОВ

а также:
26 мая — Тверская филармония
27 мая — Екатеринбургская филармония
28 мая — Тюменская филармония

Первое, что мы обычно представляем себе при словах «бразильская музыка» — это босса-нова. Горячая и пряная, но одновременно нежная и изящная, она — коктейль из множества ингредиентов. Происхождение названия «bossa nova» (буквально bossa — «шишка», «холмик», «горб»; nova — «новый») связывают с модным в конце 1950-х годов бразильским жаргонным словечком «bossa», которое означало примерно то же, что русское словечко «фишка»: особенность, яркая черта. Таким образом, название жанра следует понимать не буквально («новый горб» или «новая шишка»), а по существу: «новая фишка», «новый стиль». Босса-нова появилась в Рио-де-Жанейро, в районе Ипанема — месте обитания обеспеченных людей. Первоначально босса-нова была смесью традиционных ритмов бразильской самбы и классического американского джаза; её исполняли в акустическом звучании (гитара, контрабас, скромные ударные) на вечеринках и домашних концертах для образованной публики. Вскоре, однако, босса-нова перестала быть лишь «музыкой для избранных» и зазвучала в клубах, арт-кафе и просто на улицах бразильских городов. Босса-нову часто ошибочно считают афро-бразильской традицией, тогда как это относительно недавний жанр, созданный в 1950-х преимущественно белыми музыкантами и поэтами. Целая плеяда талантливых авторов, среди которых особенно выделялись Антонио Карлос Жобим (псевдоним — «Том Жобим»), Луис Бонфа, Жуан Жилберту и Баден Пауэлл, быстро добилась всеобщего признания

Antonio Carlos Jobim
Antonio Carlos Jobim

Имя человека, сделавшего этот стиль известным во всем мире — Антонио Карлос Жобим (Antonio Carlos Jobim). Совмещая в своих песнях элементы американского кул-джаза, с одной стороны, и самбы, чоро, байяу и других стилей бразильской музыки — с другой, он прославил босса-нову далеко за пределами своей страны. Родившись и прожив жизнь в Рио-де-Жанейро, где его именем теперь назван аэропорт, Жобим заслужил признание как один из наиболее влиятельных композиторов XX века.

Первой грамзаписью босса-новы считается песня «Довольно грустить» («Chega de Saudade», 1958), сочинённая Жобимом и исполненная Жуаном Жилберту. Первым настоящим хитом, благодаря которому босса-нова переступила национальные границы, была всемирно известная ныне «Девушка из Ипанемы» («Garota de Ipanema») Тома Жобима и текстовика Винисиуша ди Мораиша. Мировыми хитами стали также песни «Безрассудство» («Insensatez») и «Корковадо» («Corcovado») — не в последнюю очередь благодаря американскому саксофонисту Стэну Гетцу, который впервые вывез Жобима, Жуана Жилберту и его жену Аструд в США, и продюсеру Криду Тейлору, который сделал ставшие классическими записи Стэна Гетца с Жобимом и супругами Жилберту. Уже в 1962 году им рукоплескал нью-йоркский Карнеги-холл. В это же время грампластинки с записями босса-новы появились и в Европе. Нельзя переоценить и роль Фрэнка Синатры в деле популяризации боссановы в Америке. Приехав в Лос-Анджелес, Том Жобим начал выступать с Синатрой, который полюбил петь джазовые стандарты в манере босса-новы. Поворотным моментом в мировом признании босса новы можно считать записанный в Голливуде альбом «Francis Albert Sinatra & Antonio Carlos Jobim» (1967).

К началу 1970-х годов босса-нова стала визитной карточкой бразильской поп-музыки, и даже в наши дни, когда художественные вкусы значительно изменились, не утратила своего значения международной эстрадной классики, о чём свидетельствует постоянный интерес к ней в различных странах мира.

ДАЛЕЕ: участники квартета, фото, музыка
Читать далее «Российский тур Мауши Аднет и Brazil Bossa-Nova Quartet»

Подкаст: Arve Henriksen

Трубач и музыкальный журналист Андрей Соловьёв (группа «Вежливый отказ» и другие проекты) о стилистике ECM и трубаче Арве Хенриксене. Слушаем пьесу «Migration» с альбома Хенриксена «Cartography» (ECM, 2008)

Arve HenriksenСлушать прямо здесь, без предварительной загрузки:


скачать как mp3 (10,9 Мб) | скачать как wma (2,79 Мб)
Остальные 427 джазовых подкастов

Гэри Бартц выступит в Доме Музыки

25 апреля в рамках абонемента «Игорь Бутман представляет» в Светлановском зале Московского международного Дома музыки выступает саксофонист Гэри Бартц (Gary Bartz) и его ансамбль (США) при участии саксофониста Игоря Бутмана.

Gary Bartz
Гэри Бартц (фото: Владимир Коробицын, 2010)

Гэри Бартц (р. 1940) приехал в Нью-Йорк 17-летним юношей, чтобы учиться в престижной Джульярдской консерватории. К середине 60-х он уже играл в ансамбле барабанщика Макса Роуча. А в 65-м он съездил домой в Балтимор, где его родители владели джазовым клубом, для того, чтобы заменить отсутствующего сакософониста в Jazz Messengers барабанщика Арта Блэйки. Вскоре он уже стал штатным музыкантом Jazz Messengers, его дебют в грамзаписи состоялся на альбоме Блэйки «Soulfinger». С 1968 г. он сотрудничает с пианистом Маккоем Тайнером, с которым записал два классических альбома —«Expansions» и «Extensions». Это сотрудничество продолжается и по сей день. В первой половине 70-х Бартц играл в «электрическом» ансамбле трубача Майлса Дэйвиса, параллельно возглавляя собственный ансамбль NTU Troops. Впрочем, как лидер он записывался с 1968 г., но в 80-е в его сольных записях наступил многолетний перерыв. С 1989 г. он записывается вновь, а с 1995 г. регулярно выпускает альбомы на лейбле Atlantic. Российская публика, начиная с 2000 г., неоднократно имела шанс послушать Гэри Бартца — он выступал в Москве, Новокузнецке, Санкт-Петербурге; совсем недавно, в феврале 2010, Гэри выступал на сцене того же Светлановского зала в составе квартета великого пианиста Маккоя Тайнера (см. репортаж).

А вот как наше издание писало о первом выступлении Бартца в Москве десять лет назад:

«С первых же звуков его игры стало ясно, что он совсем не утратил ничего из своей прежней формы — он по-прежнему обладает великолепной техникой и пронзительно-ясным, необычным звуком с характерным жёстким, совсем не смягчающимся в конце «сустейном»…

…Но техника его игры — это еще не все. Скорость, беглость, звукоизвлечение, необычность приёмов игры, в высшей степени индивидуальная манера — все это имеет смысл только тогда, когда музыкант не просто воспроизводит поток нот, а играет музыку. Здесь это наличествовало в полной мере: Гэри в каждом соло старался рассказать историю, и часто ему это удавалось. Именно это качество заставляло людей в аудитории вскрикивать в ответ на особо экспрессивные фразы саксофона, именно это заставило полный зал устраивать Гэри настоящую овацию в финале каждого отделения.»

(«Полный джаз», #14-2000)

 ЗАКАЗАТЬ БИЛЕТ

Хэрби Хэнкоку — 70!

Кирилл Мошков CM

12 апреля отмечаем юбилей одного из самых известных в мире джазовых пианистов, музыканта огромного стилистического разнообразия и склонности к экспериментам в самых разных жанрах, от самого что ни на есть джазового мэйнстрима до электронной танцевальной музыки, от джаз-рока до пограничных звучаний между джазом и академической музыкой и практически до поп-музыки.
Это Хэрби Хэнкок, он же Хэрберт Джеффри Хэнкок, пианист из Чикаго, чьи самые первые сольные альбомы середины 60-х гг. стали одними из ярчайших записей всего десятилетия, чья работа в так называемом «втором великом квинтете Майлса Дэйвиса» с 1963 по 68 год стала настощей революцией в искусстве джазовой ритм-секции, кто едва ли не первым из джазовых пианистов не просто попробовал играть на электронных клавишных, но на долгое время перешёл на синтезаторы и электропиано почти полностью и смог добиться на этих инструментах узнаваемого индивидуального звучания, кто сделал множество удивительных гармонических находок, значительно обогативших язык современного джаза, кто, в конце концов, одним из немногих джазовых музыкантов получал знак высшего признания звукозаписывающей индустрии, премию «Грэмми», не только в джазовых номинациях, но и в «главной» категории «Альбом года», причём совсем недавно, всего два года назад. Странно произносить эти слова, но Хэрби Хэнкоку исполняется 70 лет!

Herbie Hancock
Хэрби Хэнкок, Москва, Горбушка, 2004 (фото автора)

Шесть лет назад мне довелось провести три дня рядом с Хэрби Хэнкоком: он приезжал в Москву для выступления на крупном джазовом фестивале, и я работал в качестве его сопровождающего и переводчика (фото справа сделано во время его встречи с поклонниками в одном из магазинов на Горбушке). Поверить, что этому сухопарому, моложавому, очень спокойному человеку уже далеко за 60 было крайне сложно, и судя по фотографиям, Хэрби совершенно не изменился за эти годы, чего я даже сам о себе не могу сказать. Не то чтобы мне очень нравилось то, чем занимается Хэнкок в последние годы, но той музыки, что сделала его имя одним из крупнейших в истории джаза, у него уже в любом случае не отнять, и этой музыки очень много, она очень разнообразна — временами даже трудно поверить, что всё это придумал и сыграл один и тот же человек. Мы уже четырежды обращались к творчеству Хэнкока в рамках подкаста «Слушать здесь»: в 30-м выпуске в апреле 2006 года звучала его акустическая классика начала 60-х, в феврале 2007-го в 126 выпуске Анна Филипьева ставила его электронные изыскания начала 90-х, в мае того же года в выпуске номер 143 сам Хэрби Хэнкок рассказывал об истории создания легендарного фанк-хита группы Head Hunters — «Chameleon», ставшего одним из гимнов джаз-рока 70-х. Сегодня я в честь 70-летия Хэрби Хэнкока предлагаю вновь послушать запись периода работы с Head Hunters из 70-х, правда, менее известную, но, на мой взгляд, даже более глубокую и волнующую. Это фрагмент альбома «Thrust», «Тяга», выпущенного Хэрби Хэнкоком на лейбле Columbia в августе 1974 года. Состав почти тот же, что и на предыдущем альбоме, «Head Hunters», то есть Бенни Моупин на саксофонах и альтовой флейте, Пол Джексон на электрической бас-гитаре и Билл Саммерс на перкуссии, только Харви Мэйсона сменяет за барабанами Майк Кларк, впоследствии — участник ещё одной знаменитой джаз-рок-группы Brand X, где он в конце 70-х делил стульчик барабанщика с самим Филом Коллинзом. Ну, а Хэнкок в этой пьесе играет на целом арсенале электронных инструментов: здесь использованы четыре синтезатора фирмы ARPOdyssey, Soloist, String и 2600, а также Hohner Clavinet и основной инструмент, на котором Хэрби играет хрестоматийное соло — электропиано Fender Rhodes. Пьеса называется «Фактическое доказательство», «Actual Proof».


ДАЛЕЕ: Ещё ЧЕТЫРЕ подкаста о Хэрби Хэнкоке, с текстами и музыкой!
Читать далее «Хэрби Хэнкоку — 70!»

R.I.P. Mike Zwerin

Mike Zwerin
Mike Zwerin (photo: Luciane Maia)

Ранним утром 2 апреля в Париже после тяжёлой продолжительной болезни скончался Майк Зверин, один из патриархов современной джазовой критики и джазовый тромбонист с мировым именем. Ему было 79 лет.

Майк Зверин родился в Нью-Йорке 18 мая 1930 г. Первой (и, наверное, самой значительной) его музыкальной работой было участие в ансамбле Майлса Дэйвиса в 1948 г. Майлс услышал 18-летнего белого тромбониста на джеме в легендарном нью-йоркском клубе Minton’s Playhouse, где собирались тогда лучшие инструменталисты бибопа — посоревноваться в технике игры и чувстве стиля. В тот же день Зверин получил приглашение на репетицию нового ансамбля Дэйвиса. «Мне нравится твой звук», сказал Майлс юному тромбонисту. «Это был величайший комплимент в моей жизни», сказал Зверин пятьдесят три года спустя в интервью информационному агентству Bloomberg. Впрочем, сам же Зверин обожал рассказывать и другую версию того, почему Майлс пригласил его: якобы Майлс впоследствии сказал кому-то — «Джей Джей [Джонсон] был занят, так что пришлось пригласить белого чувачка».
Ансамблю, с которым в тот далёкий день репетировал Майк, было суждено записать один из самых значимых джазовых альбомов середины XX века, ставший первым «великим альбомом Майлса» — легендарный «Birth of the Cool».

Конечно, это была не единственная его запись: тромбон Зверина звучал на альбомах самых разных лидеров — от Мэйнарда Фергюсона до Клода Торнхилла, от Арчи Шеппа до Билла Руссо и от британского блюзмена Алексиса Корнера до французского пианиста Мишеля Петруччиани (это уже в 1980-е гг.). В 1968 г. он приезжал в СССР в составе ансамбля Эрла «Папы» Хайнса (Earl Fatha Hines) на шестинедельные гастроли, организованные Госдепартаментом США; в ходе этих гастролей ансамбль выступил с аншлагом на десятитысячном стадионе в Киеве, в результате чего, согласно легенде, советские власти отменили концерты Папы Хайнса в Москве и Ленинграде, испугавшись чрезмерной популярности американских джазменов.

Зверин играл также в самых передовых оркестрах своего времени — у Чарлза Мингуса, в New York Repertory Company, а в более поздние времена, в Европе — в Концертном оркестре Джорджа Грунтца.

В конце 1960-х Майк Зверин переселился в Европу, уже прочно завоевав себе имя в музыкальной журналистике: с 1964 по 1969 г. он был штатным джазовым критиком газеты Village Voice, писал о джазе для таких разных журналов, как Rolling Stone (с 1967) и DownBeat. В 1969 г., переехав в Европу, он стал редактором европейского корпункта Village Voice. С конца 1970-х Зверин был штатным музыкальным критиком базирующейся в Париже англоязычной газеты International Herald Tribune; в последние годы он покинул газету, но регулярно публиковал свою авторскую колонку в ленте агентства Bloomberg. В качестве «европейско-американского» джазового критика Зверин соблюдал достаточно сбалансированную политику, в превосходных степенях отзываясь об американских музыкантах, но с интересом изучая творчество и их европейских коллег. Зверин был известен как собиратель музыкального юмора; список его любимых цитат возглавляло высказывание Рихарда Штрауса — «Нельзя смотреть на тромбонистов, а то потом не отвяжутся».

Подкаст: Toshinori Kondo

Трубач и музыкальный журналист Андрей Соловьев (группа «Вежливый отказ» и другие проекты) о японском импровизирующем трубаче Тосинори Кондо. Слушаем пьесы «Cornered» и «Connected» с альбома проекта Toshinori Kondo / Eraldo Bernocchi / Bill Laswell  «Charged» (R&S, 1999).
СЛУШАТЬ:

Toshinori Kondo. Photo © Eddy Westveer
Toshinori Kondo. Photo © Eddy Westveer

скачать как mp3 (16,3 Мб) | скачать как wma (4,16 Мб)
Остальные 423 джазовых подкаста

R.I.P. Herb Ellis (1921-2010)

Кирилл Мошков CM

Вечером 28 марта в своём доме в Лос-Анджелесе умер на 89 году жизни один из классиков джазовой гитары 1950-60-х гг. — Херб Эллис. Он уже много лет не выступал: у него была болезнь Альцгеймера.

Вершина творчества Херба Эллиса — безусловно, участие в трио пианиста Оскара Питерсона с 1952 по 1958 годы. Вот одна из сохранившихся съёмок этого периода: трио играет «A Gal In Gallico» на фестивале North Sea в Нидерландах. Рэй Браун — контрабас, Оскар Питерсон — фортепиано, Херб Эллис — гитара, заменяющая заодно и ударные инструменты.

Herb Ellis
Херб Эллис (фото: Кирилл Мошков, 1999)

Фотография справа неспроста так ужасна: автор этих строк сделал её на плёночную мыльницу на фестивале Лайонела Хэмптона в штате Айдахо в США 11 лет назад — увы, доступных цифровых фотоапаратов тогда просто не существовало! Зато это собственноручно сделанный снимок — персональный опыт слушания одного из величайших гитаристов джазового мэйнстрима. На этом опыте основан и подкаст, посвящённый Эллису, который автор записал и опубликовал в августе прошлого года, когда гитаристу исполнялось 88 лет.

ДАЛЕЕ: текст подкаста и собственно подкаст (небольшая сетевая радиопередача), в котором звучат две пьесы из сольного творческого наследия Херба Эллиса.
Читать далее «R.I.P. Herb Ellis (1921-2010)»

Подкаст: бескомпромиссный Чарлз Гейл

Трубач и музыкальный журналист Андрей Соловьев (группа «Вежливый отказ» и другие проекты) о бескомпромиссном фри-джазовом саксофонисте и пианисте Чарлзе Гейле.

Charles Gayle
Charles Gayle

Слушаем пьесы «Rhythm Twins» с альбома Чарлза Гейла «TimeZones» (Tompkins Square, 2006) и «Plague #3» с альбома хардкор-группы Rollins Band (вокал: Генри Роллинз) при участии Чарлза Гейла «Weighting» (2.13.61 Records, 2004).

Слушать прямо здесь, без предварительной загрузки:


скачать как mp3 (16,8 Мб) | скачать как wma (4,31 Мб)
Остальные 421 джазовый подкаст

Деликатный пианист Джеймс Вейдман

Диана Кондрашина,
фото: Гульнара Хаматова
DK

На выступление нью-йорского пианиста Джеймса Вейдмана в клубе «Союз Композиторов» я попала в последний момент: Вейдман (James Weidman) дал в Москве три концерта, и последний день, без сомнения, оказался кульминационным. Музыканты — американский гость и российские коллеги (Олег Киреев — тенор-саксофон, Сергей Корчагин —контрабас, Слава Великий — барабаны) — успели сыграться и в достаточной степени прочувствовать характер музыки, звучащей в клубе все эти дни. Под конец вечера, кстати, выяснилось, что Джеймса Вейдмана я уже слышала — но не в том же «Союзе Композиторов» годом ранее, а в конце октября 2009 в Белграде в составе нонета Джо Ловано.

James Weidman
Джеймс Вейдман (фото: Гульнара Хаматова)

Удивительно, как вообще этот факт обнаружился: я помнила в лицо почти всех музыкантов духовой секции внушительного нонета легендарного саксофониста, но фигура за роялем напрочь стёрлась из памяти. Этому существует объяснение, щадящее мою неловкую невнимательность: Джеймс Вейдман — крайне деликатный пианист. Причём суть этой характеристики — разнообразная: в больших коллективах он гармонично занимает место в ритм-секции и не позволяет себе дерзких «выкриков», в более скромных составах — оставаясь бэндлидером и одним из тех, кто постоянно «перетягивает» на себя внимание публики — ведёт себя действительно учтиво. Кажется, что музицирование Вейдмана — это одно бесконечное соло, сыгранное музыкантом для себя самого, но не в эгоистическом, а в интимно-личностном смысле этого слова. Слушая Вейдмана, начинаешь понимать, что такое «мягкий звук». Манера игры пианиста способствует скоплению какой-то волшебной и гармоничной энергетики, которая, видимо, и преображает его концерты. Ведь если посудить, Джеймс Вейдман не открывает Америки: его собственная музыка — это классический мэйнстрим, окрашивающий даже балладные композиции в мажорные тона. Но всё-таки в музыке Вейдмана есть что-то такое, что не позволяет сравнивать его с коллегами. Даже самыми именитыми.

James Weidman
Джеймс Вейдман и Олег Киреев (фото: Гульнара Хаматова)

Вообще на этот раз Вейдман приехал в «Союз Композиторов» с презентацией нового альбома «Three Worlds» — эта пластинка была записана им преимущественно в трио, с участием четвёртого музыканта — вибрафониста Джея Хоггарда. Так что часть программы в Москве Вейдман всё-таки представил в трио. А начал он вообще с композиции, сыгранной соло. Как я уже говорила, соло для нью-йоркского пианиста — самая естественная форма музицирования: Вейдман неслышно подпевает сам себе, с блаженной улыбкой играет темы, а уходя в быстрые импровизации, с усердием поворачивается правым плечом ближе к роялю, будто помогая руке справиться со спешными пассажами. Уже через несколько композиций к трио присоединился Олег Киреев. Саксофонная интерпретация музыки Джеймса Вейдмана — тоже вполне привычное для пианиста дело. Его отец — беспрекословный авторитет, как мы успели почерпнуть из короткой беседы с Джеймсом, — саксофонист, с детства приучивший сына к джазу с лидирующими духовыми.

James Weidman
Джеймс Вейдман (фото: Гульнара Хаматова)

Как бы то ни было, Вейдман играл не только свою музыку: за длинный концертный вечер успел прозвучать стандарт Телониуса Монка «Blue Monk» и даже композиция Антонио Карлоса Жобима, ради которой Вейдман оставил рояль и взял в руки гармонику. Говорят, в предыдущие дни музыкант играл и на особой деревянной флейте, просто в последний день она нечаянно осталась в отеле. Кроме того, в очередной импровизации пианиста отчётливо прозвучала тема из «We Wish You A Merry Christmas» — может, в этом не было никакого преднамеренного умысла музыканта. Может, это был и сознательный ход, и цитат на самом деле было намного больше, просто слушатель в лице автора этих строк оказался не самый подкованный.

В общем, выступление Вейдмана в Москве получилось очень тёплым, увлекательным, характерным. Кто знает, может, музыкант вернётся в «Союз Композиторов» через год — почему бы и нет, хорошая привычка!

В ДОМе выступит гитарист Эйял Маоз

Там, где джаз встречается с «новой волной» и отзвуки Joy Division сталкиваются с Electric Masada Джона Зорна, берёт свое начало рок-одиссея ансамбля Edom. Нашумевший уникальный подход гитариста Эйяла Маоза к композиции, применённый для этого экспериментального ансамбля, приводит Edom на перекрёсток, где встречаются инструментальная поп-музыка, джаз и авангард, — перекрёсток, до которого, к сожалению, добираются немногие. 

Eyal Maoz
Эйял Маоз (фото: Руслан Белик, 2007)

«Эйял Маоз, уроженец Хайфы, а ныне — важнейший персонаж нью-йоркской даунтаун-сцены, — гитарист, бэндлидер и композитор колоссальной интенсивности, обладающий потрясающим
творческим видением.
Его второй альбом “Hope and Destruction” предлагает слушателю мощные еврейские инструментальные композиции, созданные прогрессивным гитаристом, который сочетает гармоничную лирику Билла Фризелла с экзистенциальным страхом и авангардностью Марка Рибо».  Джон Зорн, 2009

 26 марта в Культурном центре ДОМ Эйял Маоз представит программу из композиций с альбома «Hope and Destruction», дополненную музыкой с первого релиза проекта Edom на знаменитом лейбле Джона Зорна Tzadik.

Читать далее «В ДОМе выступит гитарист Эйял Маоз»