Полный Джаз 2.0

«Джаз.Ру» представляет по тем или иным причинам не опубликованные в 2011-м году рецензии на альбомы иностранных джазовых музыкантов, вышедшие в 2010-м. Редакция готова принимать как пресс-релизы о выходе новых альбомов, так и сами альбомы на рецензию от любых российских и зарубежных издателей.
Связаться с редакцией

Orioxy — «Tales»

Unit Records, 2010

***

Yael Miller (vo), Julie Campiche (harp), Manu Hagmann (db), Nelson Schaer (dr)

Этот весьма необычный по инструментальному составу квартет возглавляет израильтянка Яэль Миллер, в процессе поиска своей музыки добравшаяся до Женевы через Нью-Йорк и Париж. Вокалистка и композитор, Яэль довольно характерно для сегодняшнего дня смешивает в своём творчестве практически всё, что слышит: от джаза до авангарда, от минималистичного поп-рока до неоклассики. Словом, на выходе вполне уверенно прогнозируется то, чего сейчас полным-полно в любом российском городе-миллионнике: камерный состав с недиагностируемой стилистикой, сопровождающий самобытную (или как минимум претендующую на это) девушку с нестандартными взглядами. Некоторые удачно называют этот стиль «театро», улавливая в такого рода музыке ориентированность именно на живое выступление, в котором определённая малоосмысленность музыки компенсируется сценическим поведением, жестами, нарядами и томным взглядом. Миллер, однако, удалось вовремя остановиться, и Orioxy не стоит считать одним из потенциальных завсегдатаев концептуальных московских клубов со своей верной аудиторией из шестнадцати человек. Во-первых, тут действительно интересен сам состав: скрестить недалеко, на самом-то деле, ушедшие от современного джаза контрабас и барабаны с арфой и этим трио состав и ограничить – решение, заслуживающее как минимум внимательного ознакомления. Во-вторых, вокал самой Яэль: то, как она начинает открывающую альбом «Lost Feet», до приятной дрожи напоминает незабвенную Скай Эдвардс времён расцвета Morcheeba, пусть впоследствии Миллер и уходит в более высокий регистр и теряет часть очарования за счёт подтверждения оригинальности. Ну и в-третьих, наконец, сам материал: как ни странно, именно арфа как солирующий инструмент оказывается на удивление интересной и способной зафиксировать внимание слушателя не только на вокалистке, но и на ансамбле. Прекрасно сделан, например, инструментальный «мостик» в пьесе «Saba Bobi», где Жюли Кампиш очень и очень неторопливо, с большими паузами, некрупными аккордовыми всплесками в течение пары минут развивает на фоне чисто джазовой по игре ритм-секции какую-то свою почти кинематографическую мысль. Парадокс этого альбома, пожалуй, именно в том, что он непривычно (чтобы не сказать «неприлично») хорош для музыкальной территории, которая уже давно и крепко дискредитирована не самыми талантливыми исполнителями. У них прихотливость мелодии вызвана тем, что они попросту не могут создать её нормально; у Яэль Миллер эта прихотливость естественна и уместна. Так что бороться за место под солнцем Orioxy даже со столь удачным дебютным альбомом придётся в полном соответствии с печально известной поговоркой «талантам надо помогать, бездарности пробьются сами».

ДАЛЕЕ: ещё пять новых альбомов!

Читать дальше… »

Документальный фильм «Валентин Парнах: не здесь и не теперь» (2011)
Производство, автор фильма : режиссёр Михаил Басов
Музыка: Роман Столяр

Подробности о фильме, видеотрейлер

Рецензия: Александр Фёдоров, КИНО-ТЕАТР.ru 

Насколько мне известно, это первый фильм о жизни и творчестве Валентина Парнаха (27.07.1891, Таганрог — 29.01.1951, Москва) — об уникальной личности: поэте, переводчике, музыканте, танцоре и хореографе, родоначальнике российского джаза.

Автору документального фильма «Валентин Парнах: не здесь и не теперь» Михаилу Басову, благодаря превосходной музыке Романа Столяра, удалось создать оригинальное произведение. Это не традиционный «байопик» со скучноватым перечислением фактов, хотя и они сами по себе интересны — родившийся в Таганроге Валентин Парнах странствовал по свету в поисках неуловимого идеала, а в круг его знакомых и друзей входили Пабло Пикассо, Франсис Пикабиа, Всеволод Мейерхольд, Илья Эренбург, Леонид Утёсов, Григорий Козинцев и др.; он прекрасно писал по-французски и входил в круг парижских поэтов-авангардистов 1910-х годов. Перед нами своего рода попытка рассказать о Валентине Парнахе в элегическом стиле, синтезирующем поэзию и джаз, основанная на глубоком проникновении в суть творчества Мастера.

На этом пути были сделаны своего рода открытия — например, неизвестное прежде даже киноведам участие Валентина Парнаха в фильме Григория Александрова «Весёлые ребята». Парнах сыграл в «Весёлых ребятах» эпизодическую роль джазового музыканта, и скриншоты, выделенные Михаилом Басовым, позволяют нам чётко рассмотреть эти уникальные кадры.
ДАЛЕЕ: продолжение рецензии Читать дальше… »

Corea, Clarke & White — «Forever»
Concord/Universal, 2011

Return To Forever — как много звуков в этом имени слилось… Согласно аннотации, Чик Кориа и его коллеги — Стэнли Кларк и Ленни Уайт — давно мечтали вернуться к своим джазовым истокам, приняв форму акустического трио. Чик Кориа надолго засел за рояль, Ленни Уайт ограничивается шебуршанием по тарелочкам, а Стэнли Кларк взялся за контрабас. Поэтому, несмотря на заветную троицу из классического состава «Возвращения в вечность» и слова forever в заголовке, альбом заинтересует прежде всего любителей джаза, а не джаз-рока.

Первый диск представляет собой сборник из концертных выступлений, проходивших, в основном, в оклендском клубе Yoshi’s, а состоит большей частью из умиротворяющих джазовых стандартов в формате классического трио 50-60-х гг. Спокойные и романтичные пассажи Чик Кориа главенствуют почти в каждой композиции, тогда как контрабас Кларка, исключительно по причине своей тихости, немного уведён на задний план. Впрочем, мастерства Кларка как импровизатора это нисколько не умаляет, тем более, что одной из лучших на первом диске стала именно его композиция в своеобразном дуэте с Жан-Люком Понти: «La Cancion De Sofia». Обновленная версия «No Mystery» подсаживает на крючок разомлевшего слушателя знакомыми фьюжн-интонациями и подготавливает к материалу второго диска.
ДАЛЕЕ: продолжение рецензии Читать дальше… »

«Джаз.Ру» представляет небольшие рецензии («микровпечатления») на альбомы иностранных джазовых музыкантов, вышедшие в последние месяцы. Редакция готова принимать как пресс-релизы о выходе новых альбомов, так и сами альбомы на рецензию от любых российских и зарубежных издателей.
Связаться с редакцией

Joe De Rose & Amici — «Sounds For The Soul»

First Orbit Sounds, 2010

Группа, возглавляемая барабанщиком, играющая нечто опасно близкое к smooth-джазу и исполняющая почти исключительно его авторский материал — чего тут следует опасаться в первую очередь? Безликости. В случае с Джо де Роузом, к счастью, опасения не оправдываются. Гитарист Христо Витчев и пианист Вебер Иаго, которые помогают ему с композицией и аранжировками, уводят музыку из той самой опасной близости к smooth в более ёмкое contemporary, соло Витчева и саксофониста Дэнна Зинна убедительны и осмысленны, сам де Роуз показывает в девяти треках альбома достаточно разнообразную динамику — и, как результат, в первые строки персонального рейтинга эта запись у слушателя встанет вряд ли, но его маленькой аудиофильского счастья не испортит точно и скрасит не один вечер, когда ситуация будет требовать чего-то в меру лёгкого, в меру умного, в меру мэйнстримового и в меру популярного.

ДАЛЕЕ: ещё пять новых альбомов!

Читать дальше… »

«Джаз.Ру» представляет небольшие рецензии («микровпечатления») на альбомы иностранных джазовых музыкантов, вышедшие в последние месяцы. Редакция готова принимать как пресс-релизы о выходе новых альбомов, так и сами альбомы на рецензию от любых российских и зарубежных издателей.
Связаться с редакцией

Yarone Levy — «Blue And Yellow»

Yarone Levy Rec, 2010

Дебютный сольный альбом американского гитариста Ярона Леви — хороший пример того, как следует вступать на давно изученные земли: в меру почтительно, в меру радостно, в меру оригинально. Школа, полученная музыкантом у смут-джазовых классиков вроде Дейва Коза, чувствуется и в звукорежиссуре альбома, и в его собственно музыкальном содержании: если кому-то это и покажется безликим, то никто не сможет отрицать, что сделано со вкусом. Смут-джаза как такового тут нет: это хороший микс современного развлекательного джаза, ритм-энд-блюза, баллад, порой даже софт-рока и прочих недурных стилей, которые развлекают здоровую и состоятельную аудиторию, не сваливаясь в пошлость. Пойдёт ли Леви в собственном творчестве далеко — во многом зависит от того, какая чаша весов перевесит: его явное личное стремление делать любимую музыку без фальши или с очевидностью предсказуемые хорошие финансовые результаты продаж альбома. А гитарист он и правда очень неплохой..

ДАЛЕЕ: ещё пять новых альбомов!

Читать дальше… »

В течение осени 2010 года самый многотиражный джазовый журнал США, выходящий в пригороде Вашингтона JazzTimes, отрецензировал три российских джазовых релиза — впервые за многие годы. «Джаз.Ру» получил от главного редактора JazzTimes Ли Мергнера разрешение на публикацию перевода этих рецензий, написанных американскими сотрудниками журнала — Джорджем Кэнцлером и Форрестом Диланом Брайнтом. Обратим внимание на то, что, в отличие от многих других музыкальных изданий, JazzTimes не присваивает рецензируемым альбомам «звёздочек» или иных оценок.

Александр Беренсон, «Take Me With You»
Butman Music, 2010
Текст: Джордж Кэнцлер
(опубликовано в августовском бумажном номере JazzTimes)

Музыка с этого альбома может легко и органично вписаться в контекст классических пост- и хардбоповых записей Jazz Messengers Арта Блэйки, квинтетов Клиффорда Брауна — Макса Роуча или Майлса Дэйвиса. Однако в этой записи на первом плане — два уроженца российского Санкт-Петербурга: лидер коллектива трубач Александр Беренсон и тенор-саксофонист Игорь Бутман, который, помимо всего прочего, спродюсировал этот альбом. Беренсон написал для альбома весь материал, за исключением одной пьесы; в его мелодиях слышно влияние композиций Бенни Голсона, Уэйна Шортера, Джиджи Грайса и Ричи Пауэлла. И ритм-секция здесь — контрабасист Эссиет Эссиет и барабанщик Дональд Эдвардс — обеспечивает добротную, мощно свингующую основу.

Что выгодно отличает эту запись от других современных мэйнстримовых релизов, которые также воспроизводят дух середины прошлого века, — это качество материала и исполнения, в особенности неизменно творческие и свободные от клише соло [пианистов] Сайруса Честната и Евгения Маслова, которые сменяют друг друга на альбоме. «For My Mother» — боповая пьеса, открывающая диск — берёт с места в карьер; здесь Беренсон демонстрирует свой яркий, немного металлический звук с плотной атакой, не изменяющейся в разных регистрах. В этой и других пьесах труба и саксофон гармонизуют темы и играют с ними в интонационный пинг-понг, соединяя их в ловком хитросплетении, которое напоминает фугу или другое полифоническое произведение.

Во многих темах, написанных лидером коллектива, используются постепенно развивающиеся длинные мелодические линии, обороты и рефрены, которые становятся «изюминками» композиций, благодаря своей асимметричности. Два наиболее ярких трека — заглавный и «Waltz №14» — написаны в размере 3/4, в них звучат резко очерченные и развитые соло Бутмана и Беренсона, чей звук в среднем регистре даёт понять, что для того, чтобы поразить воображение, трубачам совсем не обязательно «лазить по верхам». В свои 50 лет Беренсон — самый удивительный российский трубач, появившийся после Валерия Пономарёва.

ДАЛЕЕ: ещё две рецензии на российские джазовые релизы из американского журнала
Читать дальше… »

Arkady Shilkloper Trio — «Live in DOM»
2010

В импровизации джазовый музыкант не может полагаться только на вдохновение. Может, оно придёт, а может — и нет. Вот почему у него всегда есть заготовки, которые он может использовать в своем соло. Но если все же вдохновение пришло и музыкант начинает играть волшебные, фантастические фразы, которые его самого приводят в изумление, вот тогда выпускается CD с этим выступлением — «Live». Именно так случилось на концерте Трио Аркадия Шилклопера в московском клубе «Дом», что и послужило причиной выпуска альбома «Arkady Shilkloper Trio Live in Dom».

Но такое событие невозможно без того, чтобы это вдохновение коснулось единомышленников Аркадия — Игоря Иванушкина (контрабас), Артёма Федотова (ударные) и Аркадия «Freeman» Кириченко (специальный гость — на обложке написано: «вокальная акробатика»).

Конечно, выбор состава трио без гармонического инструмента, когда в ритм-секции только бас и барабаны, говорит о том, что Шилклоперу более близко линеарное мелодическое мышление, которое выражается в том, что практически все композиции написаны на ладовой основе и строятся на одном аккорде — более того, на одном риффе (повторяющейся фразе в аккомпанементе). Этот принцип подчёркивается и тем, что в аккомпанементе часто возникает «органный пункт» на одной ноте, который свойствен восточному, ладовому мышлению.

Начинается альбом с композиции Шилклопера «Кобра», её можно отнести к композиторским удачам Аркадия.
ДАЛЕЕ: продолжение рецензии, ССЫЛКИ НА ПРОСЛУШИВАНИЕ МУЗЫКИ
Читать дальше… »

Новый альбом российского джазового пианиста Ивана Фармаковского «The Way Home» (Butman Music, 2010) знаменует новый этап его музыкального развития. Это действительно «Дорога домой», сразу в нескольких смыслах. Во-первых, здесь Иван играет со своим московским ансамблем, только на барабанах — блистательный Дональд Эдвардс, ставший уже постоянным партнёром московского пианиста. И московский ансамбль — саксофонист Дмитрий Мосьпан и контрабасист Антон Ревнюк - убедительно доказывают своей игрой, что владение джазовым языком, импровизационная свобода и способность глубоко и оригинально трактовать джазовые идиомы не зависит от места проживания музыканта, что особенно хорошо слышно в тонком взаимодействии с американским барабанщиком.
Во-вторых, Иван (и Дмитрий Мосьпан, написавший для альбома две пьесы, включая заглавную) точно так же убедительно демонстрируют, что создание музыки для классического джазового квартета не означает непременного следования каким-то окаменевшим шаблонам: их авторская музыка (шесть из 9 пьес альбома) глубоко оригинальна, никого не копирует и в то же время находится внутри узнаваемой парадигмы современного креативного мэйнстрима. И, наконец, две из трёх аранжировок музыки других авторов, написанных Иваном для этого альбома — это часть его известной программы джазовых обработок советских песен, причём Фармаковскому удаётся собственный оригинальный взгляд даже на «Полюшко-поле» Льва Книппера, начало джазовым интерпретациям которого положил сам Бенни Гудман 50 лет назад: здесь Иван вновь проводит неоднократно утверждавшуюся им идею, что «мы (русские музыканты. — КВ) не обязаны играть обязательно американскую музыку, пусть лучше американцы играют нашу». В целом — очень сильная и цельная работа: если вам нужно показать зарубежным друзьям, что такое «русский джаз», то это будет очень достойный пример!
ДАЛЕЕ: видео! Квартет Ивана Фармаковского играет музыку с альбома «The Way Home»
Читать дальше… »

Randy Klein/Oleg Kireyev/Chris Washburne — «Sunday Morning»
Jazzheads, 2010

Не так давно я вызвал гнев поклонников саксофониста Олега Киреева небольшим отчётом о его концерте в манхэттенском клубе Iridium, точнее — сетованиями по поводу того, что-де Киреев играет очень хорошо, но мэйнстрим в целом утомил автора. Признаться, я испытывал лёгкое чувство вины перед обиженными, потому что они совсем не должны испытывать ту же усталость, что и я, от какого бы то ни было музыкального жанра. Тем более, когда речь идет о хорошем музыканте. Неожиданно для себя я получил возможность оправдаться перед обиженными : 11 мая компания Jazzheads выпустила альбом пианиста Рэнди Клайна «Sunday Morning» (JH1179), где Клайн играет свои сочинения в дуэтах (поочередно, естественно) с тромбонистом Крисом Уошбёрном и нашим Киреевым! Киреев появился во второй дорожке, и от звука его сакса — вкрадчивого, нежного, грустного — я просто замер. Это был тот случай, когда техника Киреева, о которой говорить не обязательно, поскольку технарей в наши дни — хоть отбавляй, проявилась через чуткий и увлекательный музыкальный диалог с Клайном.

Джазовые дуэты тоже далеко не новость, и их вполне можно вписать в мэйнстрим. Тем не менее, я прослушал «Sunday Morning» не просто с удовольствием, а с тем пристальным вниманием, которое включается автоматически, когда музыка того достойна.

Этим альбомом Клайн — пианист, композитор и президент собственной компании звукозаписи Jazzheads — начал серию записей «Два дуэта». Клайн и Киреев — давние знакомые. Альбом русского саксофониста «Mandala» вышел пару лет назад именно на этом лейбле (в России альбом выходил в 2000 г. — Ред.). В числе тех, кто работал над созданием «Sunday Morning», оказался еще один русский кадр — фотограф Лена Адашева. В буклете альбома — три чёрно-белых снимка, прекрасно, на мой взгляд, передающих состояние работающих музыкантов. Отличная работа!

«Sunday Morning» на сайте Jazzheads

Alper Yilmaz — «Over the Clouds»
Kayique Records, 2010

Уверен, что это чувство знакомо каждому собирателю джазовых записей: в руки попадает диск, который изо всех чувств в наибольшей степени вызывает раздражение. Вроде бы музыканты играют отлично, отельные фрагменты просто классные, но в целом музыка оставляет желать лучшего. И ты стоишь перед выбором: сохранить — или выбросить, зная, что если и станешь слушать, то с отчасти безосновательной надеждой на то, что на этот раз тебя все же «пробьёт» (может быть, а может быть — нет). Таков альбом «Over the Clouds» (Kayique Records, KR1001) басиста и композитора Алпера Йылмаза — турка, который начал играть джаз на родине в 90-х, а в 2000-м перебрался в США, жил в Калифорнии, а потом в Нью-Йорке, где среди его менторов был контрабасист Джон Патитуччи.

Слушая «Over the Clouds», я постоянно ловил себя на одной и той же реакции: утомительно вторичные темы-вступления вызывают жуткое раздражение, в то время как их развитие моментально приковывает внимание, поскольку именно в этих фрагментах музыканты демонстрируют и мастерство и то взаимопонимание, без которого фри-джаз из плотно сбитого сгустка управляемой энергии превращается в какафонию. Забыл сообщить: то, что играет состав Йылмаза, ближе всего к фри.

Проблема явно в темах-вступлениях, без которых состав Йылмаза словно не может начать разговор и начинает с вежливо-утомительной и ничего не значащей фразы типа: «Ну, как погода?», повторяя ее многократно.

В составе Йылмаза — саксофонист Дэвид Бинни, гитарист Нир Фелдер, ударники Бодек Янке и Волкан Öктэм (записывавшиеся попеременно), вокалист Аслыхан Демирташ и саунд-дизайнер Толга Тюзюн. Надеюсь, что эти имена еще будут всплывать в интересных составах и, вероятно, эта рецензия поможет обратить внимание и на самого Йылмаза, и на гитариста Нира Фелдера, и на ударника Волкана Öктэма, но жизнь артиста непредсказуема. Повезёт — попадёт в хороший состав и будет работать, не повезет — будет играть от случая к случаю, а на жизнь зарабатывать чем придётся. За Йылмаза можно быть спокойным — после приезда в США он получил специальность экономиста.

Хотя свое семидесятилетие замечательный немецкий басист Эберхард Вебер справлял в январе этого года, Манфред Айхер — глава компании ECM, с которой Вебер работал без малого 40 лет — сделал ему подарок авансом: переиздав в ноябре прошлого, 2009 г. в виде тройного альбома записи его группы Colours. За появлением этого названия стоит такая история. Когда Вебер писал музыку для своего первого альбома, его жена-художница Майя заметила, что звук окарины, на которой он играл, напоминает ей звучание имени Хлоя. Когда происходил этот разговор, Майя работала, и перед ней лежал набор из 40 цветных грифелей. Яркий образ и экзотическое имя девушки из античной легенды дали название альбому — «Цвета Хлои» («Colours of Chloe»). Альбом, выпущенный в 1973 году (обложку для него оформила Майя Вебер) принес известность басисту и стал краеугольным камнем представления об «исиэмовской» стилистике. Трудно сказать, было ли это решение продуманным или случайным, но часть названия успешного альбома стала названием квартета Colours, с которым Вебер выступал с перерывами до 1981 года. На счету квартета — три альбома, которые и вошли в новую коробку под общим названием «Colours» (ECM 2133-35). Это «Yellow Fields» (1975), «Silent Feet» (1977) и «Little Movements» (1980). В «цветовой» квартет вошел блестящий пианист Райнер Брюнингхаус, саксофонист Чарли Мариано и ударник Йон Кристенсен, которого во втором и третьем альбомах сменил Джон Маршалл (Кристенесена разрывали на части другие звёзды ECM — Ян Гарбарек и Терье Рипдал).

В том, что за свое семилетнее существование квартет записал всего три диска — большой плюс. В эти альбомы вошел отборный материал, а степень взаимодействия и взаимопонимания музыкантов просто бесподобны.

Эберхард Вебер — один из самых поэтичных и мелодичных басистов своего времени. Это порой отдаляет его музыку от джаза на расстояние, достаточное для того, чтобы сказать: «это – не джаз». Вебер — новатор, но время нередко выявляет в новаторстве значительные стилистические огрехи. Однако его записи 20- и 30-летней давности не утратили способности эмоционально вовлекать слушателя, на них по большей части нет стилистической печати того времени, в котором они создавались. Такая музыка могла быть создана и исполнена вчера.

В ноябре прошлого года на Берлинском джазовом фестивале Вебер получил ещё один подарок, и тоже авансом — премию им. Альберта Мангельсдорффа за выдающиеся достижения в джазе.

---

Альбом норвежского пианиста Торда Густавсена «Being There» (ECM 2017, 2007 г.) завершил, по его собственным словам, трилогию альбомов, записанную им для компании ECM c басистом Харальдом Йонсеном и ударником Ярле Веспестадом. После чего возник вопрос: что дальше? Ожидание до известной степени было тревожным, поскольку повторенье — мать не только ученья, но и утомленья. Густавсен, выждав добрых три года, выпустил, наконец, новую запись — «Restored, Returned» (ECM 2107). Пианист остался верен своей нордической романтике, но с новым составом (теперь это квинтет) зазвучал совершенно по-новому. Из старого трио Густавсен оставил только ударника, пригласив в студию контрабасиста Матса Эйлертсена, саксофониста Торе Брунборга и хорошо известную в Норвегии вокалистку Кристин Асбьорнсен. В качестве «текстов песен» использованы стихи выдающегося англо-американского поэта Уистена Хью Одена. Надо сказать, что Густавсен не первый музыкант, обратившийся к творчеству Одена. До него это делали Бриттен, Барбер, Стравинский и другие.

Асбьорнсен замечательно интерпретирует Одена, поэта с северными корнями — по отцовской линии он был связан с Исландией, и исландские саги были его любимым детским чтением. В исполнительской манере Асбьорнсон напряжённая страстность органично сочетается с той расслабленной ленностью, которую можно испытать, только лежа под пуховым одеялом и без труда преодолевая позыв посмотреть в окно, за которым подсивстывает метель. Альбом просто замечательный!